PROFETA ZACARIAS
Zacarías
PROFETA ZACARIAS
Figuras grotescas
FIGURAS GROTESCAS
Miguel Ángel Buonarroti, "Cuatro cabezas grotescas; estudio de Hércules y Anteo", ca. 1524-25, sanguina, grupo sobre lápiz negro, 255 x 350 mm . Londres, The British Museum.
Aprendizaje
Los dos primeros dibujos conservados de Miguel Angel, que probablemente datan de la etapa de aprendizaje con Ghirlandaio y del período que pasó estudiando en el Jardín de los Médicis (1489), son copias de Ghirlandaio, Giuotto y Masaccio. Ambas copias, a sanguina – una de las cuales aún se conserva en la casa Buonarroti, donde antes se guardaba la otra hasta su traslado a Haarlem- , evidencian la timidez propia de un principiante a la vez que algo que acabará constituyendo una característica del arte de Miguel Angel: su fidelidad a la obra original al tiempo que la modifica introduciendo ciertos detalles secundarios con el fin de adaptarla a su gusto por la sencillez.
Posteriormente en un segundo grupo de dibujos, no se contentó simplemente con imitar sus modelos; los perfeccionó y desarrolló sus tendencias inherentes. Tales dibujos expresan con una intensidad hasta entonces desconocida el efecto de espesor y movimiento de los materiales, su peso y, al mismo tiempo, la fuerza del cuerpo que revisten. De esta forma Miguel Angel confiere a las figuras una solidez y monumentalidad nuevas. La relación causa-efecto entre el cuerpo y la indumentaria, que apenas se insinúa en sus modelos, acaba volviéndose el centro de interés de Miguel Angel, el cual estimulado por el nuevo aspecto que cobran así sus figuras, transforma también las cabezas, confiriéndoles una expresión de intensidad psíquica y una gravedad de las que carecen sus prototipos. Los cuerpos adquieren un ritmo orgánico, como si se los hubiese creado a partir de una sustancia maleable. Sin un solo gesto que quiebre la línea de sus compactas siluetas, las figuras reflejan una vitalidad interna muy superior en virtud tan sólo de su volumen y peso
Posteriormente en un segundo grupo de dibujos, no se contentó simplemente con imitar sus modelos; los perfeccionó y desarrolló sus tendencias inherentes. Tales dibujos expresan con una intensidad hasta entonces desconocida el efecto de espesor y movimiento de los materiales, su peso y, al mismo tiempo, la fuerza del cuerpo que revisten. De esta forma Miguel Angel confiere a las figuras una solidez y monumentalidad nuevas. La relación causa-efecto entre el cuerpo y la indumentaria, que apenas se insinúa en sus modelos, acaba volviéndose el centro de interés de Miguel Angel, el cual estimulado por el nuevo aspecto que cobran así sus figuras, transforma también las cabezas, confiriéndoles una expresión de intensidad psíquica y una gravedad de las que carecen sus prototipos. Los cuerpos adquieren un ritmo orgánico, como si se los hubiese creado a partir de una sustancia maleable. Sin un solo gesto que quiebre la línea de sus compactas siluetas, las figuras reflejan una vitalidad interna muy superior en virtud tan sólo de su volumen y peso
SONETOS COMPLETOS XIX
.
Tan amigo a la fría piedra le es su fuego
que, si con un golpe, la circunscribe,
aunque la queme y despedace, aun vive
uniendo con ello otras para lugar duradero.
Y si resiste en la hornaza, vence al estío
o al invierno, y alcanza mayor valor que
antes, como purgada entre las altas y divinas
almas que al cielo volviese del infierno.
Librado de mi, si me disuelve el fuego,
que dentro me es como un juego oculto,
ardo y me apago y aun puedo vivir mucho.
Entonces, si vivo hecho humo y polvo,
eterno bien seré, si me endurezco al fuego;
y quien me golpea no es hierro sino oro.
.
.
Miguel Ángel Buonarroti
Tan amigo a la fría piedra le es su fuego
que, si con un golpe, la circunscribe,
aunque la queme y despedace, aun vive
uniendo con ello otras para lugar duradero.
Y si resiste en la hornaza, vence al estío
o al invierno, y alcanza mayor valor que
antes, como purgada entre las altas y divinas
almas que al cielo volviese del infierno.
Librado de mi, si me disuelve el fuego,
que dentro me es como un juego oculto,
ardo y me apago y aun puedo vivir mucho.
Entonces, si vivo hecho humo y polvo,
eterno bien seré, si me endurezco al fuego;
y quien me golpea no es hierro sino oro.
.
.
Miguel Ángel Buonarroti
SONETOS COMPLETOS XVIII
.
Sólo con fuego el herrero el hierro extiende
por hacer su trabajo igual a su concepto,
ni sin fuego artista alguno el oro
ni el singular fénix se rehace
si no ardió primero; por lo que, si ardiendo muero,
espero mas claro resurgir entre aquellos
a quienes muerte enaltece y no ofende el tiempo.
Del fuego que hablo me es gran ventura
aun para renovarme en mí tenerlo,
contándome ya casi entre los muertos.
O bien, si al cielo asciende por natura,
a su elemento, y estoy convertido en fuego
¿cómo ocurrirá que consigo no me suba?
.
.
Miguel Ángel Buonarroti
Sólo con fuego el herrero el hierro extiende
por hacer su trabajo igual a su concepto,
ni sin fuego artista alguno el oro
ni el singular fénix se rehace
si no ardió primero; por lo que, si ardiendo muero,
espero mas claro resurgir entre aquellos
a quienes muerte enaltece y no ofende el tiempo.
Del fuego que hablo me es gran ventura
aun para renovarme en mí tenerlo,
contándome ya casi entre los muertos.
O bien, si al cielo asciende por natura,
a su elemento, y estoy convertido en fuego
¿cómo ocurrirá que consigo no me suba?
.
.
Miguel Ángel Buonarroti
SONETOS COMPLETOS XVII
.
Si yo hubiera creído a la primera mirada
al cálido sol de esta fénix alma
por fuego renovarme, como acostumbra ella
en la vejez extrema, en el que entero ardo,
cual velocísimo ciervo, lince o leopardo
sigue su bien y del dolor escapa,
a los actos, sonrisas y honestas palabras
corriendo habría ido, mas soy presto tarde.
¿Pero por qué dolerme, si veo
en los ojos de este ángel único y contento
mi paz, mi reposo y mi entera salud?
Peor hubiera sido -quizá- primeramente
verlo y oírlo, que ahora con igual vuelo
consigo me arrastra a seguir su virtud.
.
.
Miguel Ángel Buonarroti
Si yo hubiera creído a la primera mirada
al cálido sol de esta fénix alma
por fuego renovarme, como acostumbra ella
en la vejez extrema, en el que entero ardo,
cual velocísimo ciervo, lince o leopardo
sigue su bien y del dolor escapa,
a los actos, sonrisas y honestas palabras
corriendo habría ido, mas soy presto tarde.
¿Pero por qué dolerme, si veo
en los ojos de este ángel único y contento
mi paz, mi reposo y mi entera salud?
Peor hubiera sido -quizá- primeramente
verlo y oírlo, que ahora con igual vuelo
consigo me arrastra a seguir su virtud.
.
.
Miguel Ángel Buonarroti
El tormento de san Antonio
EL TORMENTO DE SAN ANTONIO
%5B37%5D.jpg)
El tormento de San Antonio', pintada en óleo y témpera sobre madera, la obra es la primera pintura de Michelangelo Buonarroti (1475–1564) que se expone en una colección fuera de Europa, y una de las solamente 4 pinturas consideradas como genuinas del artista. Las otras son el Tondo DOni de la Galería de los Uffizi en Florencia, y dos obras inacabadas en la National Gallery de Londres, La "Madonna de Manchester" y "El entierro"
La pintura, que mide 47 por 35 centímetros , fue vendida en subasta en Londres en julio de 2008, y a partir de entonces fue objeto de estudio en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, donde se expondrá este verano. Mientras era limpiada, la tabla fue seriamente estudiada, hasta llegar a su atribución final al gran artista del Renacimiento.
La conversión de San Pablo
LA CONVERSION DE SAN PABLO
La conversión de San Pablo es un fresco del pintor renacentista italiano Miguel Ángel, ejecutado en la Capilla Paolina del Palacio Apostólico (Ciudad del Vaticano). Data del año 1549. Mide 6,25 metros de alto y 6,61 metros de ancho .
La situación de esta pintura, pareja de la Crucifixión de San Pedro, es sumamente inverosímil Las limitaciones del espacio debieron justificar en parte la aglomeración de personajes y la confusión general que reina en la composición. Pero también se debe pensar que se trata de algo deliberado por parte del autor, que está narrando un episodio traumático de la vida de San Pablo, cuando perseguía a los cristianos y el rayo de Dios le cegó hasta que se convirtió a la fe. El séquito de San Pablo, formado por soldados y criados, está en medio de un impresionante revuelo. La mano de Cristo señala a Pablo, caído en el suelo y cegado por la luz divina. Todos los personajes, soldados y caballos, se alejan del centro como sacudidos por una explosión y Pablo queda solo y desvalido en el centro, ayudado por uno de sus hombres. El resto trata de protegerse los ojos con manos y escudos, mirando con desconcierto al cielo. Muchas figuras están de espaldas, una pose predilecta en Miguel Ángel que de esta manera realizaba minuciosos estudios anatómicos de formas atléticas y musculosas. El caballo en escorzo, del que se ven los cuartos traseros, está inspirado directamente en los caballos de las Batallas de Paolo Ucello, que sirvieron de modelo para casi todos los pintores del Renacimiento, incluidos Leonardo da Vinci o Alberto Durero. El cielo, con Cristo bajando con un poderoso impulso entre sus ángeles y corte divina, retoma la idea del Juicio Final, con una estructura en remolino ascendente por un lado, y descendente por el otro. Se trata, en fin, de una obra de la vejez de Miguel Ángel, terrible, imponente, incomprensible y llena de la sofisticación de un manierismo que ya puede considerarse pleno.
Desnudos o ignudi (IV)
En la parte central de la bóveda se encuentran nueve escenas sobre diferentes acontecimientos históricos relatados en
Todas estas escenas se encuentran rodeadas por diferentes figuras desnudas, profetas y sibilas.
Desnudos o ignudi (III)
Miguel Ángel represento a todas las figuras desnudas, desnudez tapada después con los llamados paños de pureza realizados por Daniele Da Volterra cuando la cultura era más conservadora.
A finales de la década de 1970 se restaurarían los frescos de la Capilla Sixtina y al limpiarlos aparecieron los colores originales de las pinturas. También se quitaron gran parte de los paños que cubrían los desnudos de las figuras y se conservaron los que tapaban las partes de algunas de ellas que no solo se cubrieron sino que incluso se borraron.
SONETOS COMPLETOS XVI
.
Tú sabes que sé, mi señor, y sabes
que me aproximo más para gozarte,
y sabes que sé que sabes quien soy:
¿a qué pues más retardo en saludarse?
Si verdad es la esperanza que me das,
y verdad mi gran deseo concedido,
el muro rómpase alzado entre los dos,
que son mas fuertes los daños ocultos.
Si solo amo de ti, mi señor querido,
lo que de ti mas amas, no te enojes,
si un espíritu del otro se enamora.
Lo que en tu bella faz aprendo y busco,
mal lo comprende el ingenio humano:
Quien saberlo quiera, ha de morir entonces.
.
.
Miguel Ángel Buonarroti
SONETOS COMPLETOS XV
.
Si un casto amor, si una piedad altísima,
si una fortuna igual a dos amantes,
si una suerte adversa les importa a ambos,
si un espíritu y querer rige su corazón;
si eterna es un alma, pero los cuerpos dos,
llevándolos al cielo con alas similares;
si Amor a un tiempo y con dorado dardo
lo íntimo de dos pechos lacera y arde;
si uno ama al otro y ninguno a sí mismo,
con igual gusto y cariño, a punto extremo
que quieran los dos al mismo fin llegar:
entre mil y mil, a cien alcanzarían
con tal nudo de amor, y semejante fe;
que solo él desde lo pueda romper o soltar.
.
.
Miguel Ángel Buonarroti
Desnudos o ignudi (II)
Miguel Ángel Buonarroti es el maestro por excelencia del dibujo anatómico de la figura masculina, musculosa, de posturas complejas, de fuerte dibujo e impresionantes degradados de las carnes
Los Ignudis pintados por Buonarroti en la Capilla Sixtina se consideran descendientes de los estudios de desnudos ejecutados por el maestro para la Batalla de Cascina.
Desnudos o ignudi (I)
DESNUDOS O IGNUDI
Los adolescentes desnudos representan las anillas entre el hombre y lo divino, son la equivalencia de los ángeles de la tradición cristiana y el de los amores de la tradición platónica. Según la iconografía los ignudi pueden representar los putti del siglo XV, ya que los putti acostumbraban a tener la misión de sostener blasones, es decir, los medallones que ahora sostienen los desnudos de Miguel Ángel.
Los realizó con potentes anatomías y todos presentan una actitud diferentes, con gran variedad en el juego de brazos y piernas, se inclinan hacia atrás o hacia delante en una libertad total, con una clara relación de los conceptos platónicos de la Belleza y de Eros, se le ha dado una interpretación de símbolo sensual o de una esclavitud.
Creacion de los astros y las plantas
CREACION DE LOS ASTROS Y LAS PLANTAS
Es el segundo fresco de la bóveda de la Capilla Sixtina de el Génesis que pintó Miguel Ángel Buonarroti. El tema está inspirado en el relato de la Creación según el libro bíblico de Génesis
Este mural es el primero que ocupa un espacio grande por lo que carece de ignudis y medallones que lo flanqueen. En ella aparece Dios en dos posiciones distintas. La primera que llama nuestra atención es la de la derecha. En ella, Dios aparece con el ceño fruncido y un porte imponente, tocando con cada mano los dos astros: el Sol y la Luna.
Esta visto de frente y destaca por su posición que nos refleja un movimiento incierto, parece estar deteniéndose y girando hacia nosotros. Por primera vez aparecen los ángeles detrás de él, dos a cada lado. Los que están a la izquierda de Dios están escondidos detrás de los ropajes de Dios, jugando y sonriendo. Los ángeles que están a su derecha están desnudos y le están mostrando el siguiente paso a crear: las plantas.
Ahí aparece otra vez Dios, pero esta vez visto de espaldas. Se dirige hacia tierra firme donde hay pasto verde y plantas. La técnica y el realismo con que este pequeño paisaje está pintado es pobre comparado con la majestuosidad de la figura del Creador.Miguel Ángel evitaba a toda costa estas escenas con paisajes y siempre buscaba pretextos para dibujar la figura masculina, a la cual estaba realmente adherido.
Dios aparece nuevamente con su túnica rosa y esta vez, ésta se expande en forma de concha para proteger y transportar a los ángelitos que lo acompañan, imagen que se repetirá en la Creación de Adán.
Detalle de la cara de Dios En este tramo, se representan el tercer y cuarto día de la creación, la figura de Dios de espaldas crea la plantas y el lado de frente con un gesto poderoso crea los astros, la doble presencia quizás alude a la omnipresencia del Creador
Separacion de las aguas y la tierra
LA SEPARACION DE LAS AGUAS Y LA TIERRA
Embriaguez de Noe
La embriaguez de Noé es el último de los frescos de la serie del Génesis de la Bóveda de la Capilla Sixtina que pintó Miguel Ángel. La escena representa el momento en el que Cam, Sem y Jafet encuentran a su padre Noé desnudo y ebrio. Cronológicamente, primero a la izquierda se encuentra Moisés trabajando la tierra y sembrando una viña con una pala.
La escena principal se desarrolla en el resto del cuadro. En medio está Noé desnudo. Apenas se está reincorporando y su posición es similar al Adán en el mural vecino de La creación de Adán o al dios fluvial de uno de sus dibujos posteriores
Cam evita mirar a su padre y lo cubre con un manto azul. Sem y Jafet discuten entre ellos para saber que ha ocurrido con su padre. Miguel Ángel pinta a los 3 hijos desnudos también y solo portan unas mantas que traen enrolladas en su cuerpo como pretexto para representar, una vez más, el desnudo masculino. Este fresco es uno de los más sencillos y menos alegóricos de la serie.
En esta obra se ve el tratamiento puramente coloreado del modelado que hace Miguel Ángel. La manta verde sobre la que duerme Noé se encuentra realzada con reflejos de color amarillo donde incide la luz. De esa manera evita mezclar con negro la pintura para indicar sombra o con blanco para indicar lo directamente iluminado.
Joel
PROFETA JOEL
Detalle del fresco
Joven en cunclillas
JOVEN EN CUNCLILLAS
El Joven en cuclillas es una escultura que se encuentra en el Museo del Hermitage en San Petersburgo.
La escultura en mármol, es de 54 cm de alto y representa a un joven desnudo, doblado sobre sí mismo, tal vez la con la intención de quitar una espina del pie. Aunque no se trata de una escultura terminada, las características de la cara, el cabello y la forma del cuerpo son bien reconocibles.
Data entre 1530 y 1534, año de la salida del artista a Roma. En el momento en que Miguel Ángel dejó Florencia, la estatua quedó en el suelo de la sacristía y, a través de complicados viajes, resurgió en 1785 en las salas del Petit Ermitage.
Dado el objetivo inicial, el diseño de esta estatua necesita un significado alegórico, así como se ha dado una referencia a la estética de estilo clásico. Algunos autores consideran que es la representación de una de las almas "no nacido", para el limbo, o simplemente como un genio funerario, según otros, refiriéndose a la familia militar enterrados en el monumento, puede ser en realidad un guerrero o un prisionero
David - Apolo
DAVID- APOLO
Es una de las obras menos conocida del maestro, se trata de una estatua de mármol de 146 cm representando a Apolo. Se cree que fue realizada alrededor de 1531 y actualmente se encuentra en el Museo Nacional de Bargello, Florencia
La estatua fue encargada por el Papa odiado gobernador de Florencia, Baccio Valori.. Miguel Ángel utilizó un enfoque pragmático y político. Esta figura ha tenido nombre doble por un largo tiempo, ya que no estaba seguro de si se trataba de una representación del héroe del Antiguo Testamento David o el dios griego del arte, Apolo.. Pero en la roca redonda, bajo un pie del joven, probablemente pueda reconocer la cabeza de Goliat: así, una vez más Miguel Ángel ha creado un David.
Hay una diferencia evidente entre esta figura y la que en 1504 ascendió a la posición del símbolo más poderoso de la República.. En lugar de la fuerza y la ira, encontramos melancolía, casi lamento. El héroe de la victoria ya no celebra su triunfo, la sangre que ha sido derramada parece haber mostrado el significado de sus actos y de sus consecuencias
Suscribirse a:
Entradas (Atom)
